Aula. Curso: 1º Año polimodal. Eje 1






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Lengua y literatura

1º Polimodal

Prof: Andrade Jessica. Subiabre Paula.

Provincia de Tierra del Fuego. Antártida e Islas del Atlántico Sur.
escudo tdf




Programa de contenidos 2013
Asignatura: Lengua y literatura.

Profesores: Andrade Jessica, Subiabre Paula.

Curso: 1º Año polimodal.

EJE 1:

La literatura: concepto. Características. Géneros literarios: lírico, narrativo y dramático. Características y evolución. Literatura clásica: La Edad Antigua: el teatro en la Antigüedad. Los trágicos más importantes: Esquilo, Sófocles y Eurípides. Tragedia y comedia. Estructura. Tópicos de la época. Predestinación. “Antígona” Sófocles.

El informe. Características. Elaboración.
EJE 2:

Edad media: Contexto histórico social y cultural. Sistema feudal. Estado del idioma. Mester de Juglaría, Mester de Clerecía, Prosa Didáctica y Romancero. Características y autores representativos.

Fragmentos de “Poema de Mio Cid”, Anónimo, “La canción de Rolando” “El Conde Lucanor”, Infante Don Juan Manuel (selección), “Romance del enamorado y la muerte”.
EJE 3:

Renacimiento y barroco: contexto histórico, social y cultural. Teatro moderno: características. Teatro isabelino: características y tipos. Shakespeare y su producción teatral. “Otelo” de William Shakespeare.

La picaresca. Características. “El lazarillo de Tormes”.

La novela moderna: Orígenes. La parodia. Las novelas de caballería. “El Quijote de la mancha” Miguel de Cervantes Saavedra.
EJE 4:

Neoclasicismo: contexto histórico, social y cultural. La ilustración. El siglo de las luces. “Las preciosas ridículas” Jean Baptiste Poquelin (Moliere)

Romanticismo: Contexto histórico, social y cultural. Características. Temáticas. El héroe romántico. “Rimas y leyendas” Gustavo Adolfo Becquer. Análisis integral de la poesía.
EJE 5:

Realismo y naturalismo: contexto histórico, social y cultural. Características. “El viejo” Guy de Maupassant.

Literatura contemporánea. La novela del siglo XX. “Rebelión en la granja” George Orwell. La Utopía y la distopía.
EJE 6:

Vanguardias: Contexto histórico social y cultural. Los ismos. Características literarias. Teatro de vanguardia: “Antígona” de Bertol Brecht.
Bibliografía:


  • Cuadernillo proporcionado por la docente.

  • “Antígona” de Sófocles.

  • “Mio Cid” Anónimo (Fragmentos)

  • “Cantar de Rolando”. Anónimo (Fragmentos).

  • “El conde Lucanor”. Don Juan Manuel. (Selección)

  • “Romance del enamorado y la muerte” Anónimo.

  • “Romeo y Julieta” / “Otello” de William Shakespeare.

  • “El lazarillo de Tormes” Anónimo

  • “El ingenioso hidalgo Don Quijote de la Mancha” Miguel de Cervantes Saavedra (Adaptación)

  • “El avaro” Jean Baptiste Poquelin (Moliere)

  • “Rimas y leyendas” Gustavo Adolfo Becquer. (Selección)

  • “El viejo” Guy de Maupassant.

  • “Rebelión en la granja”. George Orwell.

  • “Antígona” Bertol Brecht.



¿QUÉ ES LA LITERATURA?

La definición de literatura se construye con el aporte de distintas perspectivas teóricas. En una primera aproximación, puede considerarse, como señala el escritor mejicano, Juan Rulfo, que la creación literaria es invención. Efectivamente, aquello que en principio permite diferenciar la literatura de otros textos es la ficción. Desde este punto de vista, la literatura se compone de un conjunto de textos ficticios o imaginarios que se contraponen con aquellos que no inventan sino que intentan registrar sucesos reales, por ejemplo, los textos de historia. Así fue en los orígenes para los antiguos griegos. La palabra poesía -que para ellos señalaba a la literatura en general- significaba "producción", "creación", es decir, denominaba un objeto artificial o artístico, inventado con palabras para imitar o representar las cosas tal como podrían suceder en la vida, y para producir en el receptor un goce estético que lo emocionara de un modo particular y produjera un aprendizaje.

El texto literario, como objeto artístico, se diferencia de otros textos por una manera particular de decir, un modo de trabajar con el lenguaje distinto del que usamos en la vida cotidiana. No sólo importa lo que se dice sino cómo se Lo dice: el empleo del lenguaje atrae la atención sobre sí mismo. No se trata de un uso espontáneo sino de un trabajo consciente con las palabras que pretende generar un efecto estético.

Resumiendo, la literatura presenta dos rasgos fundamentales: la ficción y un uso particular del lenguaje que crea un objeto especial. Sin embargo, no todo lo que es producto de la imaginación y está hecho con palabras es literatura. Superman no lo es y el texto de una propaganda gráfica, tampoco. Para definir literatura, entonces, hay que sumar otros criterios.
LOS LECTORES Y LA LITERATURA
Algunos especialistas consideran que literatura es todo lo que en una época determinada es leído como literatura. Esta perspectiva incluye al Lector. Pero, ¿qué lectores son los que deciden qué textos son literarios y cuáles no?

Habitualmente, la escuela o las instituciones académicas, por ejemplo, la universidad, son las que definen lo que se lee como literatura. También las revistas especializadas y los suplementos culturales. Así, los textos señalados como prestigiosos por esas instituciones forman lo que se denomina el canon Literario, esto es, el conjunto de textos que se consideran literarios.

Pero el canon no es fijo ni eterno: depende del gusto estético y de las ideas que se tengan en determinado momento sobre la literatura. Y esto cambia con el tiempo. Por ejemplo, Roberto Arlt, un escritor de Buenos Aires que comenzó a escribir hacia 1924 y miró la ciudad y sus personajes de un modo nuevo, hoy es leído como un escritor valioso, pero en su momento era considerado un mal escritor porque hacía un uso agramatical del lenguaje y sus textos no tenían el estilo que se esperaba de una obra literaria.
FICCIÓN Y REALIDAD
¿Siempre es invención la literatura? ¿Qué sucede, por ejemplo, con los textos literarios que narran experiencias vividas o hechos reales, como las biografías noveladas o las novelas históricas? Algunos textos presentan límites borrosos entre realidad y ficción; sin embargo, cuando se trata de literatura, la ficción siempre interviene. Aunque parta de hechos reales, el escritor imagina, supone, omite algunas cosas y privilegia otras, esto es, inventa. Pero no lo hace para negar el mundo o la historia: la ficción tiene estrechas relaciones con la realidad. El escritor valora los hechos que narra, incluye sus ideas y dialoga en su texto con otros discursos sociales, con otras voces y puntos de vista, como las ideas políticas, culturales, éticas y artísticas de su época, porque la literatura es también ideología, es decir, un conjunto jerarquizado de ideas que permiten ver el mundo, analizarlo e interpretarlo.
LA FUNCIÓN ESTÉTICO-POÉTICA
Todas las obras que se consideran literarias producen una suerte de placer vinculado con lo bello. El que lee una novela o un poema encuentra un goce particular, diferente de otras formas del deleite. Ese goce que la literatura, como las obras artísticas en general, es capaz de generar, se denomina “placer estético”. Esa es, precisamente, la característica que define y diferencia la literatura de otros productos hechos con palabras.

Por ejemplo, la finalidad de informar “a través de las palabras” se logra principalmente mediante la función informativa que, para tal fin, emplea una serie de estrategias particulares. Del mismo modo, la finalidad de llamar la atención de alguien “a través de las palabras”, se logra principalmente por medio de la función apelativa. La finalidad estética propia de las obras literarias se vale especialmente de la función estético-poética. Esta función se caracteriza por interesarse en el mensaje mismo, no sólo por lo que se dice sino por cómo se lo dice; esto significa que el lenguaje pasa a ser el protagonista del texto a través de una cuidada selección y combinación de las palabras. En el lenguaje literario todas las palabras obedecen a sentidos precisos: entre varias opciones se elige una palabra y no otra, porque la seleccionada es la que mejor transmite la idea, es la expresión exacta que el autor quiere lograr.

Entonces, el lenguaje literario posee los siguientes rasgos que lo caracterizan:

  • es plurisignificativo dado que tiene la capacidad de sugerir tantos significados como, en principio, acercamientos puedan hacerse al texto;

  • tiene la capacidad de crear su propia realidad, su propio universo de ficción diferente de aquel en que están inmersos tanto el autor como el lector;

  • posee una entidad lingüística propia, dado que las relaciones entre los significados y los significantes son distintas de las que las palabras tienen en el uso cotidiano. Por ejemplo, cualquier verso de un poema transmite más información que una simple secuencia de palabras;

  • es connotativo, porque las palabras presentan valores semánticos (significados) peculiares y de su combinación puede surgir una nueva visión de la realidad, un nuevo concepto.


LOS GÉNEROS LITERARIOS
El concepto de género literario implica una forma de clasificar los textos en distintos grupos, cada uno de los cuales se diferencia por características propias. Entre la variedad de textos que existen, los géneros permiten que el lector reconozca algunos como poesías, por ejemplo, y los distinga de otros que serian novelas o cuentos.

El origen de los géneros se remonta a la Antigüedad clásica. Ya han visto que, para los griegos, poesía señalaba toda producción o creación literaria. En esa época, la literatura se escribía en versos, con una estructura rítmica y una métrica regular. Aristóteles, un filósofo del siglo IV a.c. y el primero en escribir un estudio sobre la literatura -la Poética- explica que el origen de este arte obedece a dos causas: por un lado, el acto de imitar, que es propio de los hombres desde la infancia; por el otro, el placer o goce que produce esa imitación en las personas.
Clasificación inicial

Si bien todas las obras literarias coinciden en la imitación y en el ritmo, Aristóteles señala que se diferencian entre sí por el tema que tratan. También, por el modo de imitar del poeta, "pues se puede imitar a los mismos objetos... o bien narrándolos o bien haciendo obrar y actuar a todos los imitados". Por último, advierte que los instrumentos o medios con los que se imita producen diferencias.

Así, según esos criterios, esto es, teniendo en cuenta el tema, el modo y los medios de imitar, la poesía se dividió en tres grandes géneros.

La poesía épica narraba extensas historias cuyos protagonistas eran héroes que realizaban hazañas y en las que se mezclaba lo real y lo ficticio. Esos relatos estaban compuestos en verso, se transmitían oralmente y contaban historias relacionadas con el origen y el destino del pueblo al que representaban. Son relatos épicos la Ilíada y la Odisea, atribuidos al poeta griego Homero, del siglo VIII a.c.

La poesía dramática, que también se escribía en verso, desarrollaba el diálogo y la actuación como medios para imitar o representar historias en escena. Según el contenido o temática de la historia, el teatro clásico distinguió la tragedia (de asunto serio y desenlace funesto) de la comedia (de tema gracioso y desenlace feliz), ambas representadas por las dos máscaras del teatro.

La poesía lírica agrupaba las piezas breves que se acompañaban con algún instrumento musical y estaban destinadas, en un principio, a ser cantadas. Solían transmitir emociones o sentimientos personales y estaban compuestas por un modo particular de combinar las palabras, una técnica que destacaba el poder sugestivo y evocador del lenguaje.

Los géneros a través del tiempo

Con el correr del tiempo, los textos narrativas y los teatrales fueron privilegiando las acciones de sus historias y las conductas de los personajes antes que la expresión de los sentimientos. Los escritores prefirieron, entonces, la prosa al verso, porque un lenguaje menos ornamentado y con una menor cantidad de imágenes favorecía el progreso de la narración. Así, el verso se fue identificando únicamente con la poesía.

A partir de entonces, se establecieron los tres géneros literarios fundamentales:

  • el género narrativo, cuyas formas más comunes son el cuento y la novela;

  • el género dramático o teatro, que comprende los textos escritos para ser representados;

  • el género Lírico o poético, cuyos rasgos distintivos son el ritmo y la sonoridad, y que se caracteriza por hacer un uso figurativo del lenguaje.



Otros géneros y subgéneros

Sin embargo, esta división no es tan rígida. Muchas veces los límites se borran, las fronteras se desdibujan y en un mismo texto se cruzan dos o más géneros literarios.

Por otra parte, nuevos géneros y subgéneros han ido surgiendo a partir de ciertos cambios en las necesidades sociales y comunicativas. El ensayo, por ejemplo, un texto por lo general breve que intenta persuadir al lector y capturar su atención con recursos propios del lenguaje literario, debe su desarrollo y difusión a la importancia que adquirieron los periódicos: muchos autores escribieron ensayos para revistas y diarios de su tiempo.

A su vez, dentro de cada género, es posible reconocer subgéneros.

- Dentro del género narrativo se distinguen: el mito, la leyenda, la crónica, el cuento, la novela. A su vez, dentro del cuento y la novela, pueden reconocerse otros subgéneros: el realista, el fantástico, el maravilloso, el policial, el de ciencia ficción, etcétera.

- El género dramático comprende, entre otros, la tragedia, la comedia, la farsa, el sainete, el entremés.

- y dentro del género Lírico se pueden reconocer, por ejemplo, las diferencias entre un soneto, una elegía, un romance, un poema de versos libres.
Clasificación de las obras literarias

Todo conjunto amplio de elementos requiere para su mejor comprensión una división y clasificación interna. Con los textos literarios sucede lo mismo.

Desde la Grecia clásica hasta la actualidad, las personas interesadas en la literatura, es decir, los que la producen (escritores y editores) y los que la consumen (lectores y estudiosos), intentaron encontrar criterios que permitieran clasificar las obras. Los motivos que existen para proponer una clasificación son muchos, entre ellos los siguientes: al lector le permite reconocer que el libro que está por leer contiene una novela y no, por ejemplo, una obra de teatro y, a partir de eso, plantearse determinadas expectativas. El autor, por su parte, necesita conocer las pautas que caracterizan al texto que desea escribir: si fuera un cuento, debe reconocer sus particularidades para poder encarar su escritura. Para el editor (responsable de publicar y comercializar el texto) es fundamental tener en cuenta qué quiere hacer circular en la sociedad. A los estudiosos de la literatura les sirve para establecer relaciones entre los diferentes tipos de obras a las que dedican su investigación.
Los géneros literarios

Escritores, lectores, editores y estudiosos coinciden en clasificar de manera muy general las obras literarias. Según la división clásica, los textos literarios se reúnen en tres géneros: el narrativo, el lírico y el dramático.

Los géneros son formatos que se le asignan al material discursivo durante su escritura. Implican también una actitud de lectura: no se lee de la misma manera una novela de aventuras que un poema. La pertenencia de una obra literaria a un género está dada por una serie de rasgos que comparte con otros textos: por ejemplo, la estructura dialógica en los textos teatrales, o la voz narradora en los cuentos y las novelas.

Por otro lado, el hecho de que los especialistas coincidan acerca de la existencia de tres grandes grupos de obras, hace referencia al carácter convencional de los géneros, es decir, que nacen de un acuerdo acerca de sus rasgos particulares y diferenciadores.

También convencionales son las variantes históricas de los géneros. La forma de agrupar y caracterizar a las obras literarias no es algo dado de una vez y para siempre, sino que se va modificando junto con las sociedades que las producen y consumen. En la Edad Media, por ejemplo, se consideraba novela un formato muy distinto del actual, y algunos géneros antiguos han desaparecido, como es el caso de la poesía épica. Dentro de cada género, existen a su vez, otras clasificaciones. Así, dentro del teatro, están las comedias, las tragicomedias, las tragedias, etc.; o la novela puede ser policial, de aventuras, sentimental, psicológica, etc.
Características de los géneros

Los tres géneros literarios clásicos (narrativo, lírico y dramático) se diferencian por las características particulares que cada uno presenta. De esta manera, los textos incluidos en, por ejemplo, el género narrativo, tienen rasgos generales semejantes.

La particularidad esencial de los textos que conforman el género narrativo es la de contar hechos. La acción de contar supone plantear una ficción y comunicar el universo creado (ficcional) de hechos y experiencias. Quien está a cargo de contar, en estos textos, es el narrador. El material discursivo, por lo general, está en prosa. Las formas más comunes de la narrativa son el cuento y la novela, aunque también se incluyen en este género las fábulas, los mitos y las leyendas.

El género dramático, como su nombre lo indica (del griego drama: "acción") incluye las obras pensadas para ser representadas. La historia, en este caso, se reconstruye a través de las palabras (diálogos) y la presencia (actuación) de los personajes. A diferencia del discurso narrativo, que está mediatizado por la voz del narrador, en las obras dramáticas no hay intermediarios entre los espectadores y la vida que se hace presente en el desarrollo de la acción dramática.

La poesía (género lírico) es de estos tres géneros, por su diversidad y amplitud, el más difícil de definir. El profesor Jaime Rest señala en Conceptos fundamentales de la literatura moderna que "muchos son los autores y los críticos que han destacado en infinidad de ocasiones el hecho de que la poesía supone no sólo la introducción del verso sino también una concentración imaginativa del lenguaje, un pleno aprovechamiento del poder sugestivo y evocador que es propio de las palabras, una intrincada relación de los efectos sonoros y musicales" relacionados con el significado particular de las palabras. En definitiva, musicalidad, ritmo y la presencia de la composición en verso, son las marcas más importantes de la poesía.

Si bien las características anteriores son generales, existen textos que aunque pertenecen a un género emplean recursos propios de otro. Por ejemplo, de los géneros mencionados, los que generalmente se escriben en prosa son la narrativa y el teatro, mientras que la poesía se escribe en verso. Existen, sin embargo, muchas excepciones: una parte significativa de la obra poética del argentino Jorge Luis Borges (1899-1986) está escrita en prosa; el italiano Dante Alighieri (1265-1321) compuso su Divina Comedia en verso aunque no se trata de una poesía, ni mucho menos una obra de teatro como podría anticipar su título, y quizás se acerque más a lo que actualmente se considera una novela; gran parte del teatro clásico fue escrito en verso: Fuenteovejuna, del español Lope de Vega (1562-1635); Romeo y Julieta, del inglés William Shakespeare (1564-1616); La vida es sueño, del español Calderón de la Barca (1600-1681); Fedra, del francés Racine (1639-1699) son algunos ejemplos.

Maldición eterna a quien lea estas páginas del escritor argentino Manuel Puig (1932-1990), a pesar de que no tiene narrador, es una novela.
Actividades:

1. ¿Cuál es la finalidad de la clasificación en géneros del material literario?

2. Expliquen si la siguiente afirmación es correcta: "la clasificación en géneros que actualmente se aplica a los textos literarios fue y será la misma por siempre". Justifiquen su respuesta.

3. Expliquen las diferencias entre los tres géneros literarios.

4. Realiza un cuadro comparativo con los tres géneros literarios.
EL TEATRO GRIEGO.

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Cuentan que en Grecia, hacia el siglo VI antes de Cristo, durante las festividades en honor al dios Dionisio, un coro de casi cincuenta hombres, vestidos con pieles de chivos o machos cabríos, danzaban y entonaban un himno o canto festivo, alrededor de un altar, en la plaza de un poblado. La imagen de Dionisio era transportada en procesión hasta allí. Cuando los chivos o sátiros interrumpían su canto para tomar aliento, se introducía entre las estrofas el recitado de uno solo. Surge, entonces el diálogo donde ya había acción. Así nace la tragedia. Así comienza el teatro occidental, unido a los festejos relacionados con los ritos de la vegetación, ya que Dionisio en Grecia, (como Osiris en Egipto) representa al dios que muere y resucita a imagen del ciclo de las estaciones.

El teatro se convierte en una institución del Estado para el griego y las representaciones son concursos en ocasión de realizarse en las ceremonias religiosas y cívicas llamadas Leneas y las más famosas, las Grandes Dionisíacas, celebradas estas últimas durante primavera, cuando la navegación era más fácil y 11egaban extranjeros al Ática.

Hacia el 535 a.C Tespis logra ganar el primer concurso de tragedia, organizado por Pisístrato para el festival dionisíaco. Los que dieron impulso y desarrollo extraordinarios a la tragedia fueron los tres grandes autores: Esquilo, Sófocles y Eurípídes.

Esquilo, (segunda mitad del siglo VI a.C) agrega un segundo actor al ya introducido por Tespis y disminuye la importancia del coro, al mismo tiempo que intenta que el interés del espectador se centre en la parte dialogada.

Sófocles (siglo V a.C.) introduce un tercer actor y aumenta el número de coreutas de doce a veinte hombres y da mayor vivacidad dramática a la obra.

Eurípides, (nacido a fines del siglo V a. C.) disminuye la importancia del coro, el cual muchas veces deja de asistir al desarrollo de la acción.
A sala llena
Los griegos del siglo de Pericles, al igual que nuestros contemporáneos, valoraban el esparcimiento producido por el teatro. Pero además sentían que participaban de un patrimonio común y veían en el teatro un elemento capaz de ayudarlos a entender su manera de vivir, su religión y su propio y peculiar espíritu. Es decir, aunaban el sentido lúdico con el cívico-religioso. Los teatros, construidos con madera y luego con piedra, podían albergar entre 15.000 y 30.000 espectadores y estaban ubicados al aire libre, en un anfiteatro, generalmente al pie de una colina. En la parte central estaba el altar en el que supuestamente se realizaban las ceremonias dedicadas a Dionisos antes de comenzar el espectáculo.

El público teatral estaba compuesto por atenienses y extranjeros, sin atender a su estado socioeconómico. A la tragedia asistían también las mujeres y los esclavos. Cuando los ciudadanos eran pobres, el Estado se encargaba de pagarles la entrada, lo que demuestra la importancia social que se otorgaba a estos espectáculos.

Acerca de los actores
Se los llamaba hipocritai -hipócritas, en castellano-, palabra que hoy también se usa para designar a una persona que finge o aparenta lo que no es o lo que no siente.

Los actores usaban un atuendo especial y, además, máscaras.
¿Cómo era el local teatral?

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En un primer momento, el local dramático se construyó utilizando madera, luego piedra, y su forma era semicircular

Tenía partes bien definidas:

a) el auditorio era la parte en la que se ubicaba el público y consistía en una serie de gradas tabla das en la colina. En el espacio llamado theatron, el sacerdote de Dionisio ocupaba el asiento central;

b) la orchestra era el círculo en el cual el coro se colocaba de espaldas al público;

c) el proscenio era la parte posterior de la orchestra y de frente al auditorio, donde se desarrollaba el acto teatral propiamente dicho;

d) la skené -escena- representaba habitualmente la fachada de un palacio o de un templo. Recordemos que los personajes de la tragedia griega pertenecen a la nobleza y sus acciones se desarrollan públicamente, en presencia de los ciudadanos (la vida de los reyes es pública, sus desdichas hieren a la ciudad) y ante los dioses, bajo cuya mirada el hombre se conduce. La Skene estaba regulada por cierto número de convenciones que el público conocía a la perfección; la fachada, que cumplía la tarea de telón de fondo, tenía tres o cinco puertas y, según por cuál de ellas saliera el intérprete, eso significaba que el correspondiente personaje procedía de la ciudad en que transcurría la acción, de sus alrededores, de algún sitio más lejano o simplemente del interior del palacio o templo representado en la escena misma.

Estos locales teatrales tenían capacidad aproximadamente para 30.000 personas, como en el caso del teatro de Dionisio, en Atenas, o albergaban entre 15.000 y 17.000 espectadores, como el anfiteatro de Epidauros, en Corinto. Estaban ubicados al aire libre, por lo general en la ladera de una colina. Hoy en día siguen siendo utilizados corno "salas" teatrales.

Los recursos escenográficos llamaban la atención de los espectadores. Entre ellos, encontramos:

-el enquiclema, que servía para mostrar al público algo que había sucedido fuera de escena; en el momento indicado, se abría una de las puertas y se introducía una plataforma rodante, que era retirada una vez que se había visto lo que era necesario;

- una especie de grúa que traía a las deidades; otros personajes eran descolgados sobre el escenario o levantados por el aire; una plataforma elevada en la que hacían su aparición los dioses que intervenían favorablemente o no en el conflicto; esto último permitía la realización de otro recurso, llamado deus ex machina, que posibilitaba el ingreso de uno o más dioses en escena, para solucionar conflictos que sólo estaban en sus manos resolver;

- distintas máquinas útiles para producir sonidos, como los de los truenos y relámpagos.

La estructura de las obras del teatro griego
Contrariamente a las modernas, las piezas teatrales griegas no están divididas en actos o jornadas. Todas están escritas en verso y compuestas en cinco partes, que pueden variar según los autores:

1) prólogo: precede a la obra misma y permite conocer la prehistoria, es decir los antecedentes' de la acción que se desarrollará a continuación;

2) párodos: es el canto inicial, solemne, entonado por el coro al entrar a escena;

3) episodios: son los momentos en que la acción se desarrolla, evoluciona; se destaca, entre estos momentos, el agón, episodio que consiste en el diálogo entre los personajes más importantes;

4) estásimos: son cantos líricos a cargo del coro, que separa los episodios;

5) éxodo: es el episodio final de la obra.
Hablemos de la tragedia.

Los griegos representaban tragedias, comedias· y piezas satíricas. Estas últimas se caracterizaban por tratar un tema heroico cómicamente.

En lo que respecta a las otras dos, Aristóteles, en su Poética, las distingue de esta manera: la tragedia es la imitación o retrato de los "mejores", entendiendo por "mejores" a las personas de alto rango social, que eran nobles no sólo por herencia, tradición o por el poder que ejercían, sino por la dignidad de sus acciones, óptimos para conducir la ciudad; la comedia, en cambio, era la imitación o retrato de los "peores", es decir, de la gente común, de los aspectos risibles de su comportamiento.

De la larga exposición que sobre la tragedia da Aristóteles, podemos sacar las siguientes conclusiones:

  • La tragedia es una acción escénica, no un simple recitado, poniéndose así a las formas de la lírica y épica (definición formal);

  • La tragedia es la imitación de acciones heroicas en deleitoso lenguaje (definición estética);

  • La tragedia tiende a modificar el ánimo del espectador, provocando en él emociones de temor y de piedad, es decir que el espectador siente compasión por la situación trágica que vive el personaje y teme que a él pueda sucederle lo mismo (definición psicológica)

  • La tragedia debe producir la purificación o “catarsis” de estas mismas pasiones de temor y de piedad que ella provoca, eliminando así en el hombre toda propensión pecaminosa por medio del ejemplo que propone. Purificación de las pasiones quiere decir que, una vez que la razón ha sobrepuesto a las emociones, depurándolas, el espectador experimenta una especie de higiene del alma que le permite aprehender la significación moral de la tragedia (definición ética).



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